由马克·格里姆（Mark Grimmer）和里奥·沃纳（Leo Warner）共同创立的59 Studio团队已经花费了15年的时间来拓展由故事驱动的设计的边界，融合了技术、建筑和叙事来打造身临其境的体验。从剧场到博物馆展览，再到Lightroom这样的大型装置，他们的作品重新定义了观众如何与故事打交道。在这次采访中，格里姆分享了工作室的历程，沉浸式叙事的演变和对于近期项目的深入见解。

在Lightroom进行的大卫·霍克尼（David Hockney）展览

图源：Justin Sutcliffe

你能为我们简单介绍一下59 Studio的历史、运行方针和近期的发展情况吗？

在 59 Studio，我们的工作围绕着由故事驱动的设计展开 —— 是叙事、设计和技术的交叉点。我们使用从动画、投影到建筑设计等媒介，为现场观众创造有影响力的叙事体验。

我们最初是剧场的视频投影设计师，职责是将视觉和技术融入舞台制作。在过去的15年里，我们已经扩展成为一个由建筑师、动画师、编剧和制片人组成的跨领域团队，而成员们都致力于推动叙事的边界。

一切都开始得比较突然。2006年，在我们为一个杂志项目工作时，我们发现自己被爱丁堡充满活力的戏剧圈子吸引，而当时苏格兰国家剧院刚刚兴起。由于没有受过正规训练，我们从零开始构建起我们的理念和实践——这种方法至今仍然定义着我们的工作。

在你职业生涯的早期，尤其是在戏剧工作中，你是如何开始发展你对叙事的理解的？

我从戏剧中学到的最重要的一课就是合作的价值。成功取决于与编舞、布景设计、表演者和编剧的和谐合作，且要始终确保我们的作品服务于故事，并与其他领域无缝衔接。

剧院的协作性质塑造了我们的工作方法：我们乐于接受实验，承担风险，并探索新兴的工具，比如投影 —— 当时这刚刚开始在现场表演的环境中投入使用。这种尝试新事物的意愿为叙事开辟了令人兴奋的新可能性。

当你开始将投影仪和新兴技术整合到剧院中时，你是如何将这些工具引入到一个传统的协作（有时甚至是互相抗拒的）环境中的？

我们刚开始做这些的时候，投影仪和早期媒体服务器正在变得越来越便宜，让我们能够和比如国家剧院这样的机构进行试验。我们没有过度推销这项技术，而是专注于小规模、有形的演示 —— 展示投影作为光线和戏剧的来源，而不仅仅是一种电影设备。

在早期，我们使用最基本的技术，但它始终是符合我们的理念的：服务于故事和激动人心的合作者。投影不是华而不实的效果 —— 关键在于将其无缝地融入到创作过程中，以提升叙事水平。

维多利亚和阿尔伯特博物馆的大卫·鲍伊（David Bowie）展对你来说是个重要的时刻，标志着你们从戏剧向其他领域的转变。是什么让这个项目如此关键，以及它是如何影响你们沉浸式叙事的方法的？

在维多利亚和阿尔伯特博物馆举办的大卫·鲍伊展对我们来说是个关键时刻：我们重新构想了博物馆空间的戏剧性展现方式。当时，“沉浸式体验”还没成为一个术语，但它让我们能够探索三维的叙事方式 —— 思考节奏、结构以及观众如何穿越空间和与空间互动。

我们把它当作一部散步式纪录片：参观者可以自己拼装故事。它教会了我们参与的力量 —— 积极地吸引观众，而不是让他们被动地接受一个故事。从那以后，这一原则塑造了我们的大部分工作，使观众能够以一种私人的、动态的方式与故事联系起来。

在为Lightroom这样的空间设计时，你如何引导观众的参与和注意力，特别是考虑到那个空间的规模和多表面格式？

Lightroom 是一种独特的格式，而我们已经了解到单屏技术并不能直接转化为它的规模。剪辑的速度必须放慢，因为观众需要跨越多个表面来接收内容。

声音也同样至关重要 —— 它引导注意力，创造亲密感，并在眩目的视觉与更安静、更专注的时刻之间取得平衡。

（未完待续）

出处：Disguise

编译：Charlie | 盖雅翻译小组