文中所有图片均出自：《加拿大电影摄影师》杂志

由加拿大Vice Studios制作的Crave TV纪录剧集《来自领地的故事》（Tales from the Territories，暂译），是给二十世纪七十和八十年代摔角运动辉煌时期的一封情书，当时的巨头是世界冠军摔角和极限冠军摔角等公司，后来这项运动才被世界摔角娱乐（WWE）收购并完成了超级商业化操作。“这个剧集是一部名为《擂台的黑暗面》（Dark Side of the Ring）的剧集的衍生剧，”摄影指导（DP）基南·林奇（Keenan Lynch）说道，“《领地》描述的是同个摔角宇宙。这部剧集绝对是更加剪影式的，而且我们真的想树立其那种规模和世界观，并展示出比之前剧集展示的更多的内容。”

“领地”指的是摔角组织的特定地理意义中心，所有这些组织都有自己独特的摔角场所，以及激烈的对抗故事线等等——比如孟菲斯、田纳西、波特兰、俄勒冈、波利尼西亚/夏威夷和佛罗里达地区。剧集的每一集都有一组来自那些地方和那个时代的摔角手坐在圆桌旁回忆往事，讲述有趣故事，还有最重要的：揭示这些地区的什么事和哪些人做了什么，从而更好地或彻底地改变了摔角这门生意和艺术。

剧集的视觉元素匹配了两样东西：只比街头原始粗野感高出那么一点的粗砺感，以及摔角运动的直接即时感。虽然传统而言，体育场馆的灯光都会很亮（而且通常很平），但林奇把观众带入了某种肮脏的“阴间”。

林奇此前以拍摄MV发展职业道路，曾与马丁·盖瑞斯、哈里德·罗宾逊、Koffee等音乐人合作，也拍摄了Joël旨在倡议社会公正的歌曲《Clean Up》的MV——这在前一年为这位多伦多准协会成员赢得了加拿大电影摄影师协会（CSC）的MV摄影奖。他曾拍摄过两部长片电影——《多伦多的爱情》（Tehranto）和一部名为《Amazing Grace》的电视电影（由Oprah无线电视台制作）。他通过他的朋友安德鲁·阿佩尔（Andrew Appelle）获得了拍摄《来自领地的故事》的机会。阿佩尔执导了该剧多集，并负责拍摄了前几集。

该剧集完全采用RED GEMINI摄影机拍摄。剧集中的大部分场景都是摔角比赛的重现，还有各集嘉宾圆桌谈天时提供的轶事材料——这些嘉宾通常是来自该集主题领地的摔角手。剧集必定会引发当年读小学时追星摔角手的观众的怀旧情绪：他们最喜欢的摔角手包括里克·弗莱尔，娃娃女孩或巨人安德烈，还有阿德里安·阿多尼斯。对于比赛段落和场外故事，摄制组都会优先采用RED GEMINI。林奇解释了这么做的原因：“我们拍摄的帧率是120 fps，这显然会吞掉大量的光。我们想要的摄影机得具有良好的低光敏感度，可以拍摄4K 120 fps。其实没有太多选择。我们做了些测试，很喜欢GEMINI可调节感光度的特点。在800 ASA时，它的图像很干净，而我们通常一口气调到1600 ASA并开低感光度模式。我知道我们就是刻意要把图像弄得比较糊。我们用的是复古镜头，Super Speed Mark III，光圈大开。我们总会搭配一个（Tiffen的）Warm Pearlescent滤镜，而我们会再加滤镜在上面。有时我们会加Blue Streak或加点Pro-Mist滤镜上去。我们还用了一些万花筒效果滤镜。我们总在叠用不同滤镜，以真正柔化图像，并给图像一种独特的复古风格。

“《领地》被描述成一个‘肾上腺素激增的摔角狂热之梦’，”林奇继续说道，“我们希望摔角场给人以七十年代的感觉，有点廉价和肮脏的感觉。色彩方面，我们想让那里看起来像个堆满烟草的房间。”摄制组使用了烟草滤镜（因戈登·威利斯-Gordon Willis在《教父》（The Godfather）中的使用著称）。“我总是把摄影机的色温设定在3800到4800之间，只为了增强色彩对比。”林奇说，“我们用了很多钨丝灯：它们总是比任何类型的荧光灯都要暖。我们会在屋内摆日光荧光灯或Pixel Tube灯，而且我们总是会给它们加绿，让一切显得脏兮兮的。如果你去看二十世纪七十年代纽约市的照片，你会发现那就是一个肮脏的时代。我们想重现那种风格。那时候的摔角迷也很疯狂。那是个奇怪的时期。我们想在剧集中反映出那个摔角运动员的时代，并把它拍得很生动。”

林奇说，他和阿佩尔从七十年代的电影中找到了很多参考材料。“所有荧光灯都超级绿和超级蓝。我们试图重现那种风格，让图像看起来很糊。你的本能是去尝试纠正它，但我们直接接受了这种风格，还想弄脏图像，添加炫光、烟雾和滤镜。”

由于景深很浅，且有时故意使用柔焦，剧集的构图通常很紧，而且像蛇一样移动迅速。“我们常使用斯坦尼康，”林奇说道，”操作员是康纳·贾维（Connor Jarvie）。因为我们拍的是120 fps，所以你总是在这些动作中进进出出，因为我们只能从每个片段中拿这么多内容。我们在片场也准备了第二台RED GEMINI。我们差不多有半数时间是双机拍摄，而其中一台由我手持。此时康纳就会负责斯坦尼康。这总是很难，因为我总是想看监视器，因为我没在掌机时就可以给意见。过了一段时间，我们建立了一定程度的信任。这达到了一种平衡。你看到的75%的内容都是斯坦尼康拍的。”

由于摔角段落发生在不同城市的不同摔角场，摄制组只有几个景，而他们不得不施展“魔法”把它们彼此区分开。“我的灯光师亚历克斯·普第安尼（Alex Poutiainen）用不同的场馆灯搭建了不同的树形灯架，”林奇解释道，“每个体育场都有不同的布光配置，只有350和650钨丝灯，我们会把它们调暗。我想我有五、六种不同的配置来给不同场地打造不同的规模和范围感。有些场地比较小，有些比较大。我的设想是调整你看到的光的量。此外，因为我们没有太多的群演，我们想让画面显得超级霸气，而观众就出现在后面。我们采用了高强度的柔化、烟雾、炫光，这些都有助于显示出那里的人比实际上更多。试图让场馆显大是最棘手的部分，因为我们可以找来演观众的群演数量有限。”

剧集每集的另一个主要组成部分是一段干净、明亮、现代风格的圆桌会谈，参加者是各种摔角手，他们在每一集的主体领地竞赛，且经常出现在电视上。“这部分的拍摄主要分成两块，”林奇透露，“我们在佐治亚州的亚特兰大拍摄了一部分，大概是在那拍了六集，是搭了布景的棚拍。然后我们在洛杉矶拍了另一部分。我们在原始滑轨上架了两台摄影机，一台是中广角镜头，差不多是个半圆，可以在整个谈话的过程中来回移动，然后另一台摄影机则锁定在一架梯子上，约14英尺（约合4米）高，以拍摄鸟瞰视角。我们找到了一盏实光灯并把它带了进来。而对于真正的圆桌会谈，我们最初想在老式南方简陋小酒馆里拍，这类酒馆是这些摔角手从一个城镇到另一个城镇结束表演后会去的地方，因为他们总是在路上。但很难找到愿意让我们拍摄的酒馆。所以最后我们就在棚里自己搭了。那就是我们想要的氛围：在酒馆里，这些来自不同摔角领地的老朋友们聚在一起谈论过去。”

后期制作中，林奇与Artjail的调色师克林顿·霍姆斯（Clinton Homuth）和凯文·吴（Kevin Wu）合作。“我们发过去的所有参考材料都是七十年代的电影和七十年代的照片。我们发过去的几乎所有参考材料都是用胶片拍摄的，所以我们讨论的一个点就是用一种非常肮脏粗砺的35毫米胶片质感来覆盖所有图像。”林奇回忆道，“他们加了35毫米胶片颗粒。我们用的是Baselight，而且我知道他们加了一些新的效果，会给图像中的元素比如明亮的物体增加晕光。那有助于增加年代感。剧集的很多微调和最终风格都是在后期完成的，但我们拍摄的方式并没有很难达到我们想要的最终效果。”

“在剧集的整个制作过程中，最困难的事情之一是，因为它具有强烈的视觉语言和特别的景深，我们不得不想出一种新方法来拍摄和讲述故事。”林奇若有所思地说道，“这不是传统的讲故事方式。我们用了大量对比和高调布光来真正凸显出拍摄对象。我们做的调色也真正让人物显得亮眼并给人留下清晰印象，因为有这么多内容都是失焦或有点失焦的。剧集中有很多精彩时刻。比如有人各种扔爆米花、饮料、血、呕吐物、尿和玩吹镖!”

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出处：Roman Sokal | 加拿大电影摄影师杂志

编译：Charlie | 盖雅翻译小组